步入富丽堂皇的歌剧院、聆听高贵典雅的歌剧，您一定为那优美的音乐、传神的表演、别致的道具、多变的灯光、逼真的舞台所动容。然而在您为之倾叹的时候，可知道一部歌剧从剧本、乐谱变成舞台上光彩夺目的艺术表演，凝聚了多少人的辛勤汗水与智慧结晶。舞台上的亮丽，是由台上台下所有人的心血所构成的.

      歌剧是文学与音乐的结合，一部成功的歌剧既离不开优美的音乐，也必须有优秀的剧本，剧本是歌剧成功的基础，音乐则是歌剧的灵魂。歌剧的发展，从另一个角度来说，其实就是作曲家们作曲风格的发展。

      1597年第一部歌剧《达芙妮》诞生在意大利诞生，但象征着西方歌剧真正成熟，却是1607年由蒙特威尔弟所创作的《奥菲欧》。蒙泰威尔弟用自己对歌剧的理解与创作，为以后西方歌剧的创作指明了一个方向，奠定了近代歌剧的地位。法国歌剧风格的建立，同样是因为法国作曲家吕利的努力。他歌剧中华丽的场景，优美的舞蹈，美妙的旋律，被人们认为是法国式歌剧的特点，一代一代的流传下来。在歌剧史上产生重要影响的歌剧改革者格鲁克与瓦格纳同样都是优秀的歌剧作曲家，格鲁克将十八世纪古板的、浮夸的，已慢慢走入死胡同的意大利正歌剧，变得优美而简洁，突出了“剧”在歌剧中的作用，并集中体现于他本人的作品里面，如《伊菲姬妮在奥立德》、《阿尔切斯特》等等，这给了意大利歌剧注入了新的生命力。瓦格纳则反对统治欧洲歌剧界的意大利歌剧中音乐脱离剧情的倾向。他主张音乐、诗歌、舞蹈三者综合成有机的整体。他在自己的作品中加入了“主导动机”这一新的元素，加强了歌剧的戏剧性。他的歌剧音乐，和声新颖，注重配器效果，特别突出管弦乐队的作用，丰富了歌剧的艺术表现力，扩大了交响音乐的表现领域。同时瓦格纳不仅仅自己谱曲，而且有些剧本也由自己完成，这在歌剧史中是比较罕见的。他所留下的《尼伯龙根指环》、《黎恩济》、《漂泊的荷兰人》等作品，都是歌剧史上不朽的名作。

      一部歌剧的成功离不开一位伟大的作曲家。从古至今，一代代伟大的歌剧巨匠，为我们留下了无数精美的传世之作。如莫扎特的《费加罗的婚礼》、《魔笛》，威尔弟的《茶花女》、《奥赛罗》、《弄臣》、《阿依达》普契尼的《图兰朵》、《蝴蝶夫人》，比才写的《卡门》等都在歌剧史上占有重要的地位，即使在现在的舞台上，这些也是经常上演的剧目。

      编剧负责剧本创作，可以是原创，也可以根据已有剧本改编。观众常常在记住不朽的作曲家时，忽视了同样重要的剧作家，在作曲家成功的背后，他们往往成了作品成功的幕后英雄。如为《费加罗的婚礼》编剧的达·彭特、《魔笛》编剧的席坎内德，为《茶花女》编剧的皮亚韦，为《蝴蝶夫人》编剧的伊利卡和贾科萨……一批批优秀的剧作家们为一部部优秀的歌剧作品注入了鲜活的生命力，奠定了成功的基石。

     指挥是歌剧演出中不可或缺的灵魂人物。庞大的演唱群体，颇具规模的管弦乐团，都要在他的带领下达到“奇妙的和谐”。指挥棒则犹如一枝神奇的画笔，美妙的音符在它的弧线指引下，描绘出一幅又一幅动人的音乐画面。指挥的肢体语言给观众留下的深刻印象，他的地位也是不同于普通的演奏员，几乎是任何交响曲演出所不可或缺的。人们评价该演出时，把指择家和整个管弦乐团做平等评价。

    指挥是跟随着音乐的发展才出现的，因需要才应运而生。当音乐还相当原始的时候，指挥的角色只是打拍子，有时甚至无需特定的人来打节拍。在古希腊，乐曲的节奏通常是以脚踏地与手打拍子来维持。

    随着音乐变得复杂，产生了对某种指挥的需要。中世纪许多教堂中的赞美诗，尽管曲调简单，但歌声的起伏必须一致统一，所以唱诗班就需要有指挥。指挥棒起初只是一个标志性的东西，有几尺长，指挥右手拿着指挥棒，但用空着的左手来打拍子。16、17世纪乐曲变得复杂，乐团需要更加准确的指挥乐曲节奏的变化。

    在歌剧中，指挥既要指挥舞台上庞大的演唱群体，又要指挥颇具规模的管弦乐团。在十七世纪，在歌剧舞台上常常会有两个兼职的指挥：键盘乐器演奏者要为歌手们提供伴奏、指挥合唱，第一小提琴手要指挥管弦乐团。这个方法在18世纪晚期和19世纪初的音乐会上也被应用，因为键盘乐器经常为整个作品奠定节奏的基础，如莫扎特这些作曲家，就常常坐在键盘乐器前，指挥他们的最新作品。

随着音乐的发展，键盘乐器不再需要演奏数字低音，键盘乐器演奏者指挥的功能被减弱与替代。起初由第一小提琴接管指挥，但这也适应不了日益庞大的乐队编制与日益复杂的管弦乐曲。于是使用短小指挥棒的指挥开始出现。

    作曲家强烈关注于他们的乐曲能够完美地演出，他们极其用心以确立指挥突的出地位。其中瓦格纳和柏辽兹对于指挥尤为重视。瓦格纳强调指挥的作用在于选定作品的速度，柏辽兹强调的是心理问题。两位作曲家都撰写过有关指挥艺术的重要著作。

19世纪末，指挥的重要性与日俱增，专门从事指挥的音乐家出现了。指挥渐渐地变成演奏音乐家最尊贵的称号之一。

 

 

 

    在歌剧的演出中，音乐部分的导演是指挥，而戏剧上的指挥便是导演。

    早在18世纪末19世纪出，就有人提出“戏剧需要导演”的呼吁。歌剧导演是到20世纪才开始由专人担任的，以前多半是作曲家与剧作家自己打理歌剧演出，直到1911年奥地利的莱茵哈特协助理查·施特劳斯上演《玫瑰骑士》，才成为第一位受人注意的导演。

    在舞台上，形象源自演员的表演，但是舞台空间却对形象的塑造有所限制，导演的设定与编排来帮助演员来在有限的空间里面塑造出超出空间的角色，并且帮助观众理解舞台表现的现象与呈现的实质。导演构思的实质通过演员表述出来，观众通过视觉与听觉的感受，在情感、思想上收到感染与影响。

    歌剧中的艺术指导（coach）主要是负责演唱方面的声乐指导。艺术指导必须有丰富的声乐知识，充分认识人声的特点，了解众多的歌剧曲目。他们不仅仅要发挥演员的声带音色的特点，还要充分挖掘演员自生特点的戏剧性。艺术指导的作用主要在两个方面，首先矫正歌唱的语言发音，西方歌剧中经常使用的语言有意大利语、德语、法语等等，怎样准确地道的发音是演员们必须跨越的第一道障碍。优秀的声乐指导一般能够精通3门以上的语言，他们帮助演员纠正嘴型、口腔等语言发音的细节问题，从而为演唱歌剧“正音”。其次歌剧演唱中的气息问题，歌曲处理，也是艺术指导工作的内容。导演负责歌剧中“剧”的部分，而艺术指导则是负责歌剧中歌的声乐部分。著名的艺术指导有大都会歌剧院声乐指导琼·道纳曼、辛辛那提音乐学院的名誉教授斯利柏·里洛克等等。

      舞台演出是一门综合性的艺术。除了导演以外，舞台监督就是整个剧目演出中的管理者与调度

 

    在歌剧中，幕后的领导是导演，幕前英雄就是主角与其他演员。他们是作曲家、编剧、导演创作、艺术构思的主要承载对象与表达者。主要角色是最受观众注目的，他们的优秀与否甚至直接影响到演出的成败。

    歌剧舞台的主角比普通的戏剧演员有着更多的要求，他们既要能够正确的理解角色的内涵，生动的表现角色的特点，又要具有深厚的演唱功底。在中外歌剧舞台上，涌现了一大批优秀的歌唱家，他们在指挥、声乐指导的帮助下，不仅凭借声音、也依靠自己对角色的理解，成功塑造了许多鲜活的艺术形象。许多优秀的歌唱家同时也是优秀的歌剧表演者，如被誉为“歌剧女神”的玛利亚·卡拉斯、澳大利亚百元钞票的图像人物达梅·内莉·梅尔巴、被称为“歌剧皇后”的雷纳塔·泰巴尔迪、被誉为现代世界三大男高音的鲁契亚诺•帕瓦罗蒂、普拉西多•多明戈、何塞.卡雷拉斯等等。

    早在古希腊时代的戏剧中，合唱队就占有相当重要的戏份，他们负责向观众说明剧情，有时担任旁观者角色，有时也参与剧情的发展。歌剧中的合唱往往能够造成戏剧高潮，增加作品的色彩感，润饰戏剧的情调，烘托出宏伟的热烈的气氛，对剧情进展的速度起了调整控制的作用，并与细腻抒情的独唱造成对比效果。甚至许多歌剧中的合唱曲会成为音乐会上重要的曲目。

    歌剧中的合唱形式有混声合唱、男声合唱、女声合唱、童声合唱、和齐唱。作曲家根据不同的剧情需要，可在作品中安排不同特性的合唱音乐。

    合唱团作为歌剧院的固定演员，参与剧院排演的几乎每部歌剧。从读谱到背谱，从指挥排音乐到导演排戏，每个剧目都要经历长时间的排练过程。合唱在歌剧中的作用不可替代，除了塑造群众场面，增强戏剧张力等功能外，也丰富了歌剧音乐。

 

    歌剧大多使用交响音乐的伴奏，而交响乐在歌剧中占有十分重要的地位。除担任咏叹调、宣叙调、重唱、合唱等演唱伴奏外，还负责序曲、间奏曲、舞蹈场面音乐等等的单独演奏部分，贯穿着全剧的始终，并参与剧情的发展。

    戏剧是歌剧的基础，音乐是歌剧的主导。交响音乐本身所具有的丰富音色具有很强的描绘性，这使得在歌剧中，乐队的伴奏对于揭示人物内心微妙的情感，营造独特的戏剧气氛，起到了很大的作用。

    歌剧演出中，管弦乐队通常位于台前的乐池中，歌剧的表演离不开乐队的伴奏，但是乐队的演奏，经过改编却可以脱离戏剧的表演独立存在，这也是交响音乐本身就具有强烈的戏剧感所决定的。

    巴洛克时期以来，西方传统歌剧中如有舞蹈场面，大多使用用芭蕾舞。芭蕾舞是十六世纪以来法国宫廷的传统艺术。凡尔赛宫每逢节日宴会就有场面盛大、装饰豪华的芭蕾舞表演，这种表演包含舞蹈、合唱、甚至独唱。17世纪中期路易十四授意法国作曲家吕利创作具有法国特点的歌剧。由于法国的芭蕾舞传统，吕利创作的法国歌剧加入了很多芭蕾舞的元素，场面宏大，舞台华丽。

    除了法国歌剧之外，其他国家的早期歌剧并不是很注重芭蕾舞在歌剧中的使用，舞蹈（芭蕾）场面一般出现在幕间，属于幕间剧的范围。作为场景描绘的手段，和戏剧本身没有太多必然的关系。浪漫主义时期开始，舞蹈在歌剧中的比重逐渐增加，大多运用于情景的描绘，感情的突显，气氛的营造。舞蹈弥补了歌声在表现戏剧视觉表现上的缺陷，成为深化歌剧表现力的手法之一。在很多的歌剧作品中，舞蹈和音乐总是水乳交融、相得益彰。到了现代，随着舞台表现手法的日益丰富，许多新的尝试也被运用在歌剧表演上，许多现代舞也被使用到歌剧的演出中，这样使歌剧的视觉表现力更加的丰富。

 

    舞台美术包括舞台、布景、灯光、服装、化妆、道具等，具有很强的技术性。随着社会的进步，科技的发展，人们审美要求的提高，这一部分在歌剧的作用中变得越来越重要。

    文艺复兴时期的剧院有一套自己关于舞美方面的程式化规定，舞台上的一切，都会在观众的感知中发生变化，木桶里的一棵树代表着森林，普通的圈椅则是帝王的宝座，寻常的衣服变成了舞台的戏装。为了使舞台明亮，剧院在地板和帷幕后面配置了上百盏蜡烛灯，如果演出中要表现早晨，就给灯蒙上红色的罩子，而蓝色的罩子则是表现傍晚和黑夜。

    16世纪在意大利维琴察的奥林匹克剧院里面，舞台的深处摆放着立体的布景。这是不能进入的虚幻空间，在略微倾斜的舞台上画着栩栩如生的街道，上面立着角色模型。这些模型是平面的，根据需要剪裁，近大远小。这样在观众面前呈现的是一个纵深感很强的世界。   

    17世纪末镜框式舞台定型，它也被称为“意大利舞台”。这也是现在戏剧演出中经常使用的舞台形式。

布景
    剧院里面的布景有硬布景和软布景两种，硬布景一般用木头和金属制作成的，它们必须轻巧而坚固，制成后方便在舞台上移动与装卸，为了在巡演时可以运输，硬布景还可做成拆卸式的。软布景包括覆盖地板的长条粗布地毯、作为背景的幕布、遮掩舞台两侧的侧幕等等。在西方的歌剧院制度中，在演出之前，所有的布景、服装、家具、室内设计的设计草稿都必须递交艺术委员会审批，由剧院技术组负责人对舞美的设计及其制作的每一个技术细节进行详细说明。舞美决定后，就由剧院专属的技术车间进行道具及布景的制作。
戏装
    戏装与日常的服装有很大的区别，平时穿衣讲究的是实用与美观，而舞台上的的服装则追求“有表现力”“有形象感”和醒目。戏装中总会有一些醒目的细节，能够突出人物性格中的某些特点、暗示时代的背景，还有助于揭示剧本所叙述的时间实质。戏装中集中了文化传统里的象征性。穿上戏服，就好像变成了另外一个人的外貌，并且呈现与外貌相符的精神状态。如在《哈姆雷特》第四场中之前一身宫廷服饰的奥菲利亚，穿着长长的衬衣，披头散发，观众一看马上就意识到主人公疯掉了。外型上的不和谐设计，直观的让观众感觉到人物内心世界也有不和谐的因素。不同的颜色也具有不同的象征性：红色代表喜庆，黑色代表悲哀、绿色代表希望，在戏装上，颜色的变化也变成了表达人物情绪状态的一种方法，如悲剧人的服饰，大多是黑色的。当代题材的戏服，设计最有难度，因为既不能让观众觉得演员是穿着平时的衣服上台，又不能脱离时代的特点，精确地选择服装的细节和色彩，对于确定演员外表与服饰的协调，塑造真实而生动的艺术形象来说是非常重要的。

    服装的收藏也必须分类，不同时期，不同风格，不同剧目的服装收藏在不同的衣柜或者衣箱之中，方便在演出的时候使用。

    灯光也是舞美中非常重要的一环，灯光师是灯光的总指挥。在舞台脚线灯的位子上、在天幕的上下端和前后、照明间里，有各式各样的聚光灯，装在三角较上的可移动式照明设备和幻灯装置也是经常被使用的。演出开始之前，灯光师要布置好设备，检查滤色片，开启需要的道具灯。每次演出，都有一份灯光设备位置图与一份灯光总谱，注明每幕对于灯光变化的要求，由灯光师在调控台后进行操作。光线的效果不仅仅是靠照明设备制造出来。某些布料和光线结合，也能呈现特定的舞台效果。透花纱和黑天鹅绒就能制造出不同寻常的效果。

    化妆对于舞台演员来说至关重要，化妆师能通过一系列的化妆处理改变演员的外貌，使其更加接近所需要塑造角色的外型。 普通人影响中的“浓妆”与“淡妆”使用主要是为了适应剧情的需要，突出戏剧的效果。“浓妆”主要用于在外表上突显出人物特别的性格特点，如将年轻人化妆成老年人，就必须在脸上，使用比较厚重的化妆，“淡妆”主要增强人物脸部五官轮廓的表现力。假发、假胡子等脸上与头上的装饰工作也是属于化妆的范围。

    在西方，很多大的歌剧院，都有自己专门的生产工厂，当舞美技术组的舞台设计草稿与模型方案获得通过，这些方案就会被拿到生产工厂进行制作。

    家具车间主要制造木制物品，负责生产舞台上的专用家具与一些硬布景，包括布景墙、楼梯、平台、廊柱、房门、浮雕。制作出来的舞台上的家具比普通家具更加的轻巧，方便移动与搬运。钳工车间负责制作特别硬的物件，如连接布景各部件的铰链、把手、门环、小钥匙，各种金属的小物品，甚至复杂的灯罩、水晶吊灯、骑士的长剑等等。

    道具车间也是生产工厂中重要的一环，许多在舞台上直接呈现实物的东西都必须用道具来代替，道具师具有很高的技术水平，一般能使用多种制作技能，并且能够广泛运用多种不同材料，他们的制作的成品往往让观众在近距离也难以辨别真伪。道具车间还有各种小零件与演员使用的小物品，这些东西被分门别类的收藏在柜子里面，上面还被贴上剧名的标签。除了制造出来的“假道具”之外，道具车间还要准备准备一些真实的小物品，如火柴、香烟、食物等，还有准备一些活的道具，如猫、狗、鹦鹉等也道具师工作的内容。

 

    舞美设计是一个整体的团队，负责歌剧演出的舞台、布景、灯光、服装、化妆、道具等等。各种不同专业不同技术的人，为了一个演出而共同进行者创造性的工作。在西方的歌剧演出中，每次演出前，各种舞美设计的方案，都必须提交演出的艺术委员会，与导演、演员等人进行沟通与定型。舞美的总负责人在舞美设计中是一个核心的角色，他既指导整体布景的制作，又监督其日后的使用情况，负责协调各个舞美的细节方面，在舞台上的统一。他也负责对演出的艺术委员会，进行舞美设计的具体说明，并听取导演等人的意见，对舞美进行修改。